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如何在个体差异中找到共性：对扬琴性能美学的反思

于海英是教授和硕士生的导师。曾获文化部“文华奖”等20多个奖项。曾任文化部“文华奖”、“明星奖”等国内重要音乐比赛评委。曾受国内外专业院校邀请举办专题讲座、独奏会及大型音乐会100余场。曾获“辽宁省十大杰出青年”和“辽宁省优秀青年骨干教师”等荣誉称号。创作扬琴作品，如“Love ”;出版了《非传统器乐节奏初探》、《东北扬琴流派演奏技巧的特点与应用》、《扬琴合奏集》等专著。

讲座一开始，于先生首先提出了一个问题——“如何从个体的审美差异中寻找共性，更好地解读自己的作品？围绕这个问题，列出以下十点来回答：

1. 严格正确的阅读能力

在演奏之前通读和演唱乐谱是准确记谱和演奏不可或缺的前提，学生在学习过程中往往忽略或低估了这一步的重要性。于老师指出，“读音乐”的过程包括：大声读音符、唱乐、读音乐;参见乐谱的记谱法的调号;记住乐谱的各种标记;看看小标题。俞老师用自己的亲身经历告诉我们，严格正确地阅读和唱歌是学习过程中的第一步，也是最重要的一步，这不仅可以帮助我们加深记忆乐谱的能力，使我们“把乐谱记在心”，降低在表演中忘记乐谱的概率， 也帮助表演者划分乐句，使音乐能够自然地呼吸和流动。其中，俞总强调，“我们要把我们弹的歌唱得响亮”。“唱乐谱”可以加深对作曲家意图的理解，在任何时候，都应该把作曲家的意图放在第一位，其次是自己的意图，并应充分尊重乐谱。

二、玩法

首先，于先生演示了两种在舞台上演奏同一“琶音”的方法：非统一和统一。我们可以清楚地感觉到，后一种产生了更干净的声音。那么统一声音播放方法的核心点是什么呢？俞老师给出了答案：

（1）从姿势上：敲击琴弦时，保持竹子与马鞍平行;适时换力点，感受来自全身的气息，力量通过肘部、手腕、手指、竹子传递到琴弦;明确表示“抬腕”的目的是释放力量，让力量在琴键上爆炸。

（2） 从手形：手形是改变音色的魔术师。俞老师分别引用《B小调幻想曲》和《春江花月夜》来说明“力点后退，手指微开”和“力点向前，加手腕动作”两种不同的演奏方法，可以带来情绪不同但音色统一的声音体验。

3. 节奏和韵律

正确的节奏、准确的节奏感和活泼的节奏可以使音乐充满活力。于老师认为，节奏和速度是音乐的骨架，而速度是表达情感的重要方式之一，正确把握速度对音乐的诠释起着至关重要的作用。对节拍强弱的清晰自然的感觉，以及根据作品的风格和表现形式保持稳定一致的节奏，是对一首好作品进行令人信服和合乎逻辑的解释的基础。

以《将军令》为例：散盘、慢盘、快板、尖板四个部分的速度变化，但同一个主题呈现不同的画面。

以《拉萨之爱》为例：如果演奏者演奏整首曲子，他可以根据乐曲的结构选择合适的速度，使乐曲更加歌唱和悠扬;如果只播放一个部分，则应调整速度。快板部分的切分音节奏是其重要的节奏特征，应该反映在实际演奏中。

四、丰富的层次变化

于老师以歌曲《遥山夜画》为例，从以下三个方面讲解如何达到丰富的音乐层次：

（1） 与主题部分的对比更改

（2） 不同材料截面的对比变化

（3） 不同音色的对比变化

其中，俞老师强调了想象力在理解和表演音乐中的重要作用：脑海中的故事画面可以帮助表演者更好地营造丰富的层次感。以歌曲《遥山夜画》为例，一开始，音乐似乎描绘了一个无法倾诉在心中的秘密，而随着情感的加深，这个秘密逐渐可以用来与天上的星星和夜晚的山间对话，最后歌曲达到高潮， 它变成了一种无法抑制的情绪，它被充分地发泄出来。

五、准确把握风格

于老师认为，把握音乐风格的方法有三种：

（1） 了解作曲家的生平、性格和审美

（2） 了解作文的背景

（3） 聆听来自同一地区、同一作曲家、同一流派和同一时代的其他作品。

6. 丰富的音色变化和多层次的声音塑造

音乐和语言有点共同点，用不同的音调来表达同一个句子可以达到不同的效果，音乐也是一样的——通过对音色的细腻把握，营造出音乐层次的刚柔、虚线、明暗，虚与实的结合，能给听众带来丰富的聆听体验，拓展更广阔的想象空间。俞老师以《情怀》为例， 前半部分的音乐大部分是 “线性” 和流动的，然后就变成了舞曲结构的段落，而这个表演需要达到 “线性 ”和 “点 ”的结合。

于老师认为，在一部作品中，即使同时有多个相同的音符，也应该改变这些音符的手形和动态，表演者需要思考更多。

7. 适当、气场调和呼吸使用

在老师的理解中，中乐更像是一位沧桑沧桑的老人，充满了对生活的感悟和感悟。中乐更注重呼吸带来的线条感，它有更多的呼吸、适当的停顿、留白，让人有足够的时间去体会它的思想，它在声音之外的韵律，在韵之外的意义。

8. 精湛的技术技能

俞老师指出，表演的完整性来自于表演者娴熟精湛的技术功底。技术技能上的错误就像文章中的拼写错误，您无法表达您的表达。如何能够在短时间内一次性完整地演奏而不出错，于老师为我们提供了一个有效的练习方法：句子练习。从难点开始突破，反复练习困难最后攻克困难，然后结合其他部分整体练习，日复一日，像“沸水”一样，耐心地将各个部分分成“沸曲”，最后将“水”煮沸。

9. 发自内心的真挚感情

这

发自内心的真情是打动观众的重要原因，而情感是通过旋律来表达的，所以演奏出好的旋律是表达情感的必要条件。

旋律演奏要回归到音色变化、层次变化、力度变化、音乐线条等元素上。

10. 既有说服力又具有原创性的人格魅力

于老师认为，表演者在表演过程中的肢体语言应该随着音乐的起伏和音乐画面的变化而变化。作为舞台表演的一部分，肢体语言要像音乐一样强烈，只有发自内心、符合表演者心理状态的肢体语言，才能达到与观众产生共鸣的效果，增强音乐的表现力和感染力，达到真正的锦上添花。在这个阶段，学生不应该刻意模仿他人的个性作为共性，而是要学会加入自己对音乐的理解和思考，形成自己独特的表演魅力，最终打动观众。

结语：艺术审美难免会因为生活环境、教育背景、性格、价值观等的不同而存在差异，如何从个体审美差异中寻找共性，笔者认为，在老师总结的十点中，无论是演奏方式、读谱，还是层次变化、节奏和速度的选择，这些都离不开表演者自身的大量思考。在学习新曲子时，“动脑筋”的过程也不容忽视，盲目练琴也绝非突破瓶颈的好方法，相反，片刻的静默停下来冥想，更有可能成为质变的催化剂。一个能用音乐打动观众，唤起心灵共鸣的好表演者，他的细节必须能够达到超自然美的境界，而这包含着丰富的思考，这些无声的部分是他表演的底色，也是一块磁铁，吸引和引导听众，随着音乐的流动， 到作曲家内心的精神世界。